Recadrer

En 2009, Sarah Anne Johnson a été invitée par la Farm Foundation à participer à un nouveau programme où un groupe d’artistes, de militants et de scientifiques ont voyagé jusqu’au cercle arctique pendant 21 jours et ont créé des œuvres sur leur expérience. Les photographies qu’elle a prises là-bas sont devenues la base d’Arctic Wonderland. Les images sont manipulées par des interventions de gravure, de peinture, de sablage et de dessin, créant des scènes de célébration qui contrastaient ironiquement avec les paysages hantés et désolés de l’Arctique. L’artiste cherche à mettre en avant leur beauté naturelle des paysages et à attirer l’attention sur les préoccupations du réchauffement climatique.

Technique de la créativité: Recadrer

Dans un contexte artistique, le mot « recadrer » se rapporte le plus souvent au mode d’expression de l’image. Dans ce contexte, il signifie, par exemple, modifier le cadrage d’une prise de vue ou de l’angle d’approche sur le sujet d’une image. La photographie d’un même sujet sera donc considérablement modifiée selon le point de vue et la distance où l’on choisit de placer la caméra. Ainsi, un personnage peut être cadré en plein pied (en montrant son corps au complet), ou en gros plan en ne cadrant l’image que sur son visage. Le point de vue aussi fera varier notre perception du sujet si par exemple on est en contre-plongée, l’œil situé dessous le sujet donne l’impression que celui-ci sera plus imposant. Tandis que le sujet photographié en plongée nous donne l’impression à l’observateur de dominer la scène. Le mot recadrage par extension désigne aussi la redéfinition d’un cadre d’une idée, d’une orientation pour un projet par exemple. C’est plus précisément cette définition qui nous intéresse ici.

Le recadrage (ou « reframing » en anglais) est un concept utilisé en psychologie et en accompagnement pour aider les gens à voir les choses sous un angle différent, plus positif ou plus constructif. Dans un contexte créatif, le recadrage peut être utilisé pour aider les artistes à voir leurs idées ou leurs œuvres sous un nouvel éclairage, ce qui peut les aider à trouver de nouvelles perspectives ou à surmonter les blocages créatifs. 

Le recadrage consiste donc à changer la façon dont on perçoit une situation, un problème ou une idée, en adoptant une perspective différente. Par exemple, un artiste qui se sent bloqué dans son travail peut être encouragé à voir ses difficultés comme une opportunité pour explorer de nouvelles techniques ou de nouveaux matériaux, plutôt que de se concentrer sur ce qu’il ne parvient pas à réaliser. 

Édith Croft, Le saut de l’ange. 2010.

Sculpture monument funéraire, commande privée
Lieu : Cimetière Notre-Dame-des-Neiges, Montréal.
Matériaux : acier et fonte et granit.
Dimensions : hauteur de 300 cm, largeur de 200 cm, épaisseur de 100 cm.
Photo : Marcel St-Vanne.

De nombreuses techniques de recadrage peuvent être utilisées dans un contexte artistique.

• La visualisation de l’œuvre ou de l’idée sous différents angles ou dans différents contextes.
• L’exploration de différentes options ou solutions de rechange concernant le mode d’expression utilisé, les matériaux, la technique, la forme…
• Rechercher des similitudes avec des œuvres ou des artistes inspirants.
• Désamorcer les problèmes rencontrés par l’utilisation de l’humour ou de la dérision.

Il existe une multitude d’approches diverses qui peuvent être appliquées au monde de la création, voici quelques exemples

1- La méthode des « six chapeaux pour penser »

Imaginée par Edward de Bono et publiée en 1987, cette méthode aide à résoudre les problèmes en favorisant la pensée critique et en évitant la censure des idées innovantes et inhabituelles.

Cette technique consiste à explorer une idée ou un problème sous six angles différents, chacun représenté par un chapeau de couleur afin de sortir des schémas habituels de la pensée. Par exemple, le chapeau rouge représente l’émotion et les sentiments, le chapeau blanc représente les faits et les données, le chapeau jaune représente l’optimisme et les avantages, le chapeau noir représente la critique et les risques, le chapeau vert représente la créativité et les idées nouvelles, et le chapeau bleu représente la synthèse et la réflexion globale. 

2- La « mise en situation ou dans la peau de l’autre »

Cette technique consiste à prendre la place de quelqu’un d’autre afin d’envisager des solutions sous un autre angle. Ce « changement de peau » amène à se questionner sur ce que cette autre personne ferait à notre place, ferait différemment ou oserait… Appliquée au monde de la création, cette méthode permettrait, entre autres, d’aborder un contexte différent pour l’œuvre ou l’idée en question. Par exemple, comment cette œuvre serait-elle perçue si elle était exposée dans un musée plutôt que dans un café local? Ou comment cette idée de peinture pourrait-elle être utilisée à l’aide d’un autre mode d’expression comme la photographie? 

3- Le « questionnement méthodique »

Cette technique consiste à poser une série de questions pour explorer une idée ou un problème sous différents angles. Le but est d’exposer les racines profondes du problème en permettant d’identifier la nature de la problématique pour pouvoir rechercher des solutions adéquates. Par exemple, quels sont les avantages et les inconvénients de cette idée? Comment cette idée pourrait-elle être développée ou améliorée? Quelles sont les implications sociales ou culturelles de cette idée? 

4- Transformer l’obstacle en opportunité

Cette technique consiste d’abord à visualiser une solution positive afin de transformer un problème perçu négativement. Un des meilleurs exemples pour illustrer ce concept en création est bien l’accident. Ce chapitre est développé plus en profondeur dans l’outil « 2. Provoquer l’imaginaire : 2.1 Accident ». En effet, lorsqu’un accident ou un imprévu survient dans le processus de réalisation d’une œuvre, par exemple une partie de moulage brisée ou un café répandu sur un dessin, l’on est forcé de trouver une solution créative si l’on ne veut pas perdre tout le travail accompli. Il peut s’avérer que selon l’attitude que l’on adopte, cet incident pourra générer des solutions inattendues et créatives qui apporteront plus d’expression à l’œuvre que l’idée d’origine. Un blocage financier, une contrainte de thème, la ressource matérielle non disponible peuvent être des freins négatifs à une création jusqu’à ce que l’on considère le positif de cette situation qui permet souvent de trouver des solutions beaucoup plus efficaces et créatives.

5- Le « changement de perspective ou de décor »

Cette technique consiste à regarder une idée ou un problème sous un angle différent. Se poser la question : dans quel autre contexte est-il possible de placer l’idée, le concept, ou l’œuvre afin d’aborder la problématique de manière différente? Il est possible d’aborder ce principe de la créativité en changeant de décor. Par exemple, chercher un moyen non habituel de présenter une sculpture par son ombre, en exposant une toile au plafond ou sur la surface d’un lac…

Ces quelques techniques de recadrage peuvent aider les artistes à sortir de leur zone de confort, à trouver de nouvelles idées et à explorer de nouvelles voies créatives. C’est une compétence, qui peut être développée par la pratique et l’expérience. Aussi, à tout moment du processus de création, les techniques de recadrage peuvent être d’un grand secours. Lors de l’inspiration, afin de confronter la première idée, lors de la validation du concept afin d’interroger l’authenticité ou l’intérêt d’un projet. Encore, si un imprévu arrive dans la réalisation et qu’il faut réagir et user de créativité afin de trouver des solutions.

Au cours d’une longue carrière artistique, il arrive aussi qu’un artiste se questionne sur le sens de sa démarche artistique. Ainsi le recadrage peut permettre de regarder sa propre production sous différents angles, d’explorer de nouvelles techniques, matériaux, modes d’expression, afin de mettre en valeur certains aspects et de créer de nouvelles significations. Enfin, revisiter une œuvre est une chose courante dans le monde de l’art, il arrive très souvent qu’un artiste réalise plusieurs versions d’une même œuvre ou en modifie les paramètres afin de l’adapter à un nouveau contexte d’exposition.

Un peu d’histoire

 « La peinture abstraite est celle qui ne représente pas les apparences visibles du monde extérieur, et qui n’est déterminée, ni dans ses fins, ni dans ses moyens, ni dans son esprit, par cette représentation. Ce qui caractérise donc, au départ, la peinture abstraite, c’est l’absence de la caractéristique fondamentale de la peinture figurative, l’absence de rapport de transposition, à un degré quelconque, entre les apparences visibles du monde extérieur et l’expression picturale » (Langage et signification de la peinture en figuration et en abstraction, 1956).

– Léon Degand, Langage et signification de la peinture en figuration et en abstraction, 1956

Au début de l’époque moderniste, de nombreux artistes influencés par les changements importants intervenus dans la technologie, la science et la philosophie, ont ressenti le besoin de renouveler les fondements et définitions des conventions esthétiques de la peinture. Ces artistes ont cherché à développer des langages visuels abstraits qui se concentrent sur la composition, la couleur et la forme plutôt que sur la représentation réaliste de sujets reconnaissables. Ils ont donc en quelque sorte tenté de recadrer la représentation traditionnelle de la réalité pour créer de nouvelles formes visuelles qui sont plus autonomes et qui s’inspirent davantage de la musique, de la spiritualité et de la philosophie que de la nature. 

Définition : Art abstrait

Dans le contexte des arts visuels, l’art abstrait se définit par des associations de formes et de couleurs qui ne réfèrent pas ou ne cherchent pas à représenter la réalité. C’est une forme d’expression qui ne tente plus de reproduire des images figuratives ou à imiter la réalité, mais plutôt de s’en dissocier.

Dans l’histoire de l’art, les motifs géométriques abstraits ont été utilisés par plusieurs cultures ancestrales et antiques afin de décorer leur quotidien. Que ce soit dans l’art de la préhistoire ou chez les Égyptiens, plusieurs cultures ont abordé l’abstraction sous différentes formes ornementales. Pour des raisons religieuses, l’art islamique interdisant les représentations humaines développera des formes d’ornementations peintes ou sculptées avec des écritures et des motifs géométriques.

Le terme « abstraction » a aussi été employé pour définir différents regroupements artistiques abstraits apparus à partir du début du XX^e siècle. Il n’existe cependant pas de définition universelle de l’art abstrait puisque celui-ci prendra plusieurs formes au fil des tendances et mouvements artistiques.

On peut dire que les démarches vers l’abstraction picturale des artistes tels que : Frantisek Kupka, Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian peuvent être considérés comme une forme d’application des techniques de recadrage dans la mesure où ils cherchent à « revoir sous une perspective différente » la représentation traditionnelle du monde visible dans l’art occidental et les conventions esthétiques de l’époque. Il est cependant important de garder à l’esprit que leur approche esthétique est plus complexe que la simple utilisation de techniques de recadrage, car elle implique également une réflexion philosophique et une intention conceptuelle plus large. 

Les artistes avaient tous des démarches assez différentes pour aborder la peinture abstraite. Par contre, quelques préoccupations communes dans leurs recherches artistiques nous permettent de faire une forme de classification par trois axes principaux. Voici un exercice de recherche pour t’aider à visualiser les la progression de la peinture figurative vers l’abstraction par une forme de recadrage artistique.

1- Les dérivées des recherches de Cézanne et du cubisme

Quelques artistes, dont Francis Picabia, Sonia et Robert Delaunay, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian, partent de formes géométriques pour créer leurs peintures. La plupart de ces artistes expérimentent de près ou de loin une forme dérivée des recherches du cubisme de décomposition de la forme peinte en multipliant les points de vue. Ces expérimentations diverses influenceront certains mouvements de l’avant-garde comme le Néoplasticisme, le Suprématisme, dont le constructivisme.

2- L’improvisation musicale

Kandinsky inspiré par la musique développe une recherche qui laisse libre cours à ses émotions sur la toile. Cette démarche inspire les artistes de l’expressionnisme abstrait et de l’abstraction lyrique auxquels l’artiste Jackson Pollock est identifié comme un des représentants principaux.

3- De la réalité à l’abstraction par épuration de la forme, Mondrian et Kupka

Les artistes tels que Kupka (plus indépendant, mais ayant appartenu au mouvement nommé l’abstraction création) et Mondrian dont la démarche aboutie au néoplasticisme ont cherché de nouveaux horizons picturaux. Au départ, les peintres utilisent toujours des éléments du monde qui les entourent, mais ils les dénaturent, les déforme jusqu’à ce qu’on ne puisse plus faire le lien entre l’œuvre et la réalité. Malevitch développera des techniques similaires de dépouillement de la forme vers une abstraction pure qui aboutit au mouvement du Suprématisme. Découvre ici l’application de la technique de recadrage dans l’évolution des œuvres figuratives vers l’abstraction par un dépouillement des formes.

La technique du recadrage artistique consiste à observer une œuvre d’art sous différents angles, perspectives ou échelles, afin de mettre en valeur certains aspects et de créer une nouvelle signification. Elle peut aider à élargir notre compréhension de l’œuvre en question. La technique du recadrage, lorsqu’elle est utilisée dans le contexte de la création artistique, offre un potentiel d’exploration très vaste. Cette approche créative permet de rechercher de nouvelles perspectives d’expression, en rupture avec les normes artistiques établies, et d’explorer de nouvelles possibilités. Pour illustrer cette démarche, voici une sélection d’œuvres contemporaines et actuelles. Dans ces exemples, ce n’est pas le processus de réalisation de l’œuvre qui constitue une illustration du principe du recadrage. C’est plutôt l’œuvre elle-même qui recadre la perception ou l’interprétation du public.

Objectifs standards visés